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Para quienes no los conozcan, cosa que me parecería un pecado capital, CLOUDS TASTE SATANIC es una banda instrumental de Doom Metal originaria de Brooklyn, Nueva York, formada en 2013. A lo largo de estos casi 12 años, han creado un sonido que, si no es único, sí que es 100 x 100 ellos mismos, fusionando riffs pesados del Stoner Rock con la densidad del Heavy Doom, creando atmósferas envolventes y multisensoriales tanto en sus discos como en sus conciertos. Su discografía incluye álbumes destacados como "To Sleep Beyond the Earth" (2014), "Your Doom Has Come" (2015) y "Dawn of the Satanic Age" (2016), entre otros.

En su último disco publicado en 2024, "79 A.E.", ofrecen dos extensas composiciones que superan los 20 minutos cada una: "Collision" y "Reclamation". Este álbum actúa como la banda sonora de una película apocalíptica no realizada, presentando, si cabe, una versión aún más fluida y cósmica de su característico Doom Metal instrumental. En este nuevo álbum CLOUDS TASTE SATANIC incorpora, también, elementos de Rock Psicodélico y Stoner, conduciendo al oyente a través de paisajes sonoros que evocan una narrativa de destrucción y renacimiento. "Collision" destaca por sus riffs contundentes y una gran dosis de energía cósmica, mientras que "Reclamation" explora una visión más progresiva, fusionando temas de Doom Cósmico y Stoner Psicodélico, que culminan en una experiencia sonora envolvente.

¿Qué tal? Después de esta breve introducción, para aquellos que aún no están familiarizados con CLOUDS TASTE SATANIC, ¿cómo describiríais el origen y la evolución de la banda desde su formación en 2013?

Hola, soy Steve guitarrista de CLOUDS TASTE SATANIC. ¡Pues te cuento! Surgimos de una banda de Post-Rock en la que estábamos involucrados llamada GATOS DE SENSI. Esa banda terminó, y quería iniciar un proyecto que tomara elementos del Post-Rock (canciones largas y cinematográficas) pero con mucho más peso. Partiría de los riffs y evolucionaría desde allí. Había estado escuchando bandas como SLEEP, EARTH y SUNN O))), así que la idea del Stoner/Doom instrumental parecía encajar perfectamente con el rumbo que queríamos tomar.

A parte de las influencias que acabas de mencionar, ¿hay algo más que os llevó a optar por esta dirección? ¿El hecho de que seáis una banda instrumental influye en la conexión con vuestra audiencia?

El elemento instrumental, como te acabo de comentar, surgió de la influencia del Post-Rock, pero yo ya había estado involucrado en otros proyectos previos que también eran completamente instrumentales. Trabajar con un cantante (o ser el cantante de la banda) lleva la música en una dirección muy específica, y generalmente las voces en cualquier banda tienen una influencia desproporcionada en cómo se presenta y percibe la música. Esto no es necesariamente intencional por parte del cantante, simplemente sucede que, cuando escuchas una canción, tu opinión sobre esa canción y, en consecuencia, tu disfrute o falta del mismo depende en gran medida de tu opinión sobre el cantante, ya sea su voz, sus letras o ambos. Rara vez alguien rechaza una canción por la línea de bajo. Como artistas, encontramos que es mucho más fácil crear música sin la necesidad de hacer espacio para las voces. Es una forma de música más desafiante para el oyente, acostumbrado a apoyarse en las voces como guía. Sin duda, es una forma menos popular para el público promedio, pero creemos que, si decides quedarte y tomar el viaje con lo que creamos, se forma un vínculo aún más fuerte entre nosotros y la audiencia.

"79 A.E." ha sido descrito como la banda sonora de una película apocalíptica no realizada. ¿Qué inspiró este concepto y cómo se refleja en las dos extensas composiciones del álbum?

Un cineasta de Texas, fanático de nuestra música, nos contactó hace unos años y nos pidió que compusiéramos la banda sonora de su película aún no realizada. Recibimos el guion, lo leímos y aceptamos. En lugar de esperar a que la película estuviera hecha para trabajar con las imágenes, comenzamos a escribir basándonos en el guion y planeamos adaptar lo que habíamos creado una vez viéramos la película. En algún momento quedó claro que la película no se realizaría pronto (por temas de financiación). En lugar de desechar el proyecto, decidimos continuar y terminar lo que habíamos comenzado. La música refleja cómo imaginamos la historia del guion en nuestras cabezas. La historia, además de ser apocalíptica en general, tenía temas muy específicos sobre la causa de la devastación y lo que ocurrió después. La primera canción, “Collision”, nos lleva hasta ese evento destructivo e incluso dentro de él. La segunda, “Reclamation”, nos guía por lo que sucede después.

Me imagino que un disco como este ha sido una introspección muy bestia en vuestra música. Del mismo modo, a lo largo de vuestra discografía, habéis explorado diversas sonoridades dentro del Doom y el Stoner. ¿Cómo describiríais la evolución de vuestro sonido hoy en día en comparación con trabajos anteriores como "Tales of Demonic Possession"?

Nuestro primer álbum, “To Sleep Beyond the Earth”, era muy Doom y muy minimalista. Esa era la intención. La idea era que nuestro primer álbum estableciera nuestras creencias fundamentales y que todo lo que viniera después fuera un camino continuo de crecimiento. A veces eso significa incorporar numerosos elementos musicales, como guitarras acústicas y teclados que no se consideran típicos del Doom (como en “Tales”), y otras veces implica canciones con un enfoque más agresivo y simplificado, sin mucha instrumentación adicional, pero sin abandonar lo que hemos aprendido a lo largo de los años.

A parte de teclados, también habéis incluido elementos no muy Doom en vuestros álbumes. Por ejemplo, "Cloud Covered" presentó versiones de canciones de artistas tan diversos como Elton John y Nirvana. ¿Qué pasó? ¿Qué os motivó a reinterpretar estos temas y por qué estas canciones y no otras?

Las bandas también son fanáticas de la música, y no es sorprendente que cuatro personas que crean un tipo particular de música también tengan bastantes influencias musicales entre ellas. Hicimos el álbum de versiones porque nos pareció un buen desvío de las canciones de 20 minutos que habíamos estado creando hasta ese momento. Es importante, como banda, mantener las cosas interesantes desde un punto de vista creativo, y este proyecto simplemente nos pareció divertido de realizar. Cada integrante de la banda eligió cuatro canciones, y lo que terminamos grabando fueron los temas que funcionaron. El proyecto fue aún más entretenido cuando alguien escogió una canción más inesperada para versionar, como “If You Leave Me Now” o “Funeral for a Friend”.

El no tener un cantante nos dio la posibilidad de evitar algunas de las comparaciones que se harían con las originales y pudimos enfocarnos en la música. Por supuesto, es más complicado que simplemente elegir canciones que te gusten. Algunos temas están muy centrados en las voces y pierden mucho sin las letras. Otros sentimos que no podríamos hacerles justicia a las piezas originales. A pesar de ello, no os sorprendáis si veis un “Cloud Covered II” en un futuro no muy lejano.

Ojalá, puesto que comparto tu opinión. La música debe de fluir de dentro y si lo que el cuerpo te pide es versionar, pues adelante. ¡Cada uno con su mundo interior! En este sentido, vuestros conciertos en vivo son algo de otro mundo: experiencias multisensoriales que transportan al público. ¿Qué elementos consideráis esenciales para crear esa atmósfera envolvente en vuestros directos?

Humo, luces y visuales. Cuantos más, mejor. Hemos descubierto que cuando tenemos la oportunidad de montar más elementos visuales para un espectáculo, la experiencia es mejor para el público. Dicho esto, dependiendo del concierto —dónde, cuándo y con quién estamos tocando—, todos esos extras podrían no ser posibles. En esos casos, el espectáculo se centra únicamente en la música, y aunque el público generalmente prefiere tener un cantante en el que enfocarse durante una presentación en vivo, nosotros debemos lograrlo únicamente con la música. Si no logramos que eso sea interesante, necesitamos esforzarnos más.

Sucede lo mismo que en vuestras canciones. El oyente debe de centrarse al 100 x 100 en lo que escucha y más teniendo en cuenta la duración de vuestras composiciones, que suele ser extensa, superando los 20 minutos. Normalmente, suelen ser una de las caras del vinilo con un título más que sugerente. ¿Cómo abordáis el proceso de composición para mantener la cohesión y el interés a lo largo de piezas tan largas?

Comenzamos con un tema y lo desarrollamos desde allí. Todos contribuimos a la composición y, a través de la práctica y el ensayo y error, encontramos formas de entrelazar diferentes partes que cuentan una historia de principio a fin. A veces volvemos a un tema, como sucede a menudo en la música clásica, y otras veces no lo revisitamos en absoluto y tomamos otro rumbo. En algunos casos, incluso retomamos el tema en un álbum diferente. Al final grabamos lo que funciona mejor.

Más arriba hablabas de la estética visual de vuestros conciertos. Pero también hay una gran estética en la presentación del formato de vuestros discos. Todo ello parece jugar un papel importante en vuestra propuesta. Sin ir más lejos, yo compré vuestro primer álbum prácticamente sin conoceros, porque la estética del vinilo me dejó completamente alucinado. ¿Qué proceso tiene la creación de estos súper discos?

A veces implica encontrar la obra de arte adecuada que encaje con el tema del álbum, y otras veces implica trabajar con artistas que admiramos para lograr ese objetivo. El arte y la estética de cada álbum son muy importantes y deben funcionar con la música para transmitir el tema de ese disco en particular. Cada álbum se aborda de manera diferente, pero sí, dedicamos mucho tiempo y energía a encontrar los elementos visuales que complementen la música.

En una era dominada por el consumo rápido de música, permitidme deciros que no estáis muy en la onda de lo que se lleva ahora (jajajajajajajaja). ¿Qué desafíos y ventajas habéis encontrado al crear álbumes que requieren una escucha más atenta y prolongada?

No comienzas una banda de Doom instrumental si tu objetivo es la fama y la fortuna (¡risas!). Cada banda quiere tener éxito, pero en algún momento debes decidir si se trata más del arte o del éxito. Claramente, elegimos lo primero, pero para seguir ese camino con el tiempo, necesitas llegar a las personas para captar su atención. Esperas que lo que estás haciendo encuentre resonancia en alguien, y con suerte, en suficientes personas para ayudar a financiar el próximo proyecto. Teníamos fe en que, si creíamos en lo que hacíamos, habría otros que estarían de acuerdo. Calidad sobre cantidad. Conseguir los fans uno a uno.

Mirando hacia el futuro, ¿qué planes tenéis para la banda en términos de nuevas grabaciones, giras o exploraciones sonoras? ¿Esos nuevos planes tienen a nuestro país en forma de gira?

Tenemos la primera de una serie de grabaciones "live in studio" que saldrá el 7 de febrero. Se llama Birmingham 2025 y fue grabado el año pasado mientras estábamos de gira por el Reino Unido. El vinilo ya está disponible (se envía desde Europa) y lo tendremos en nuestra página de Bandcamp, disponible para envío desde los Estados Unidos el día 7, junto con CDs, descargas y streaming. Tenemos otras grabaciones similares programadas para el futuro. Grabaremos nuestro próximo álbum de material original en marzo, y con suerte saldrá a la luz a finales de este año o el próximo. Interstellar Smoke Records también reeditará nuestro álbum “Evil Eye” en vinilo y en CD en algún momento de este año. En cuanto a giras, Europa este verano todavía es una posibilidad, pero es más probable que hagamos algunos shows en Canadá en otoño. Respecto a los Estados Unidos, ya veremos. Si nos invitan, probablemente iremos.

Steve muchas gracias por tu paciencia y por contestar a nuestras preguntas. Esperamos veros en concierto en breve por Europa (ojalá por España). No dudes que seguiremos desde estas líneas la evolución de vuestros trabajos. Stay Heavy!!!

Entrevista realizada por Jordy Stanley
28/01/2025